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Jun 13, 2023

mxdwn-Interview: Kid Koala über neues Album, Live-Produktionen und Tour mit Leilani

Kennedy Oliver-Sorrell 7. Juni 2023 – 10:00 Uhr

Kennedy Oliver-Sorrell 7. Juni 2023 – 10:00 Uhr

Eric San, besser bekannt als sein Künstlername, Kid Koala hat die Kunst des visuellen Geschichtenerzählens mit seiner Musik vereint. Er ist nicht nur ein talentierter DJ, sondern auch Produzent, Autor und Künstler. Er schafft es, alle künstlerischen Formen zu nutzen, um eine Geschichte zu erfinden, die ein Publikum aller Altersgruppen genießen und mit der er sich verbinden kann. In seiner neuesten Ausgabe ist dieses Album nicht nur ein Spaß für alle Brettspiele, sondern auch ein herzerwärmendes und skurriles Abenteuer. Er spricht über seine Karriere und DJ-Kultur, seine neuen Projekte und vieles mehr.

mxdwn: Zuallererst möchte ich sagen, dass deine Karriere wohl in einer der bedeutendsten Epochen des Hip-Hop begann. Eines der Schlüsselmerkmale Ihres Stils ist Ihr Einsatz visueller Kunst und deren Umsetzung beim DJing. Was war die Inspiration, diese beiden Medien zum Geschichtenerzählen zu kombinieren?

Kid Koala: Ich glaube, das geht bis zu meinen allerersten Plattenerfahrungen zurück, als ich ein Kind war. Meine allerersten Platten waren diese Vorleseplatten mit Märchenbüchern, die mir meine Mutter schenkte, weil sie dachte, dass dadurch das Interesse am Lesen geweckt würde.

Lesen war eine Möglichkeit, das Interesse der Kinder zu wecken; Ich glaube, sie hat das irgendwo gelesen. Also sagte sie: Okay, ja, ich werde es versuchen. Ich liebe diese, deshalb würde ich mich auf jeden Fall stundenlang in sie hinein flüchten. Die Idee einer Geschichte, die Illustrationen, der Text, die Soundtrack-Musik, das Sounddesign und die Sprachausgabe, all das war einfach da. Ich könnte also wirklich für immer in diese Geschichten flüchten. Als ich älter wurde, konnte ich die beiden einfach nie wirklich trennen. Es war immer eine Art mehrdimensionale Erfahrung.

mxdwn: Das ist wirklich cool. Es ist wirklich erstaunlich, wie die kleinen Dinge unserer Kindheit uns im weiteren Verlauf unserer Karriere beeinflussen. Ich stimme zu, mein Interesse am Geschichtenerzählen begann schon früh mit Büchern. Das Gleiche gilt auch für die Musik, daher verstehe ich dieses Gefühl vollkommen.

Wie wir wissen, jährt sich 2023 der Hip-Hop tatsächlich zum 50. Mal, und Scratching ist eines der Schlüsselelemente des gesamten Genres. Ich wollte wissen, welche Entwicklungen die Fähigkeiten des Scratchens im Vergleich zu damals haben?

Koala-Kind: Ja. Im Kern denke ich, dass es immer noch da ist. Ich denke, das Ethos ist immer noch da, die Idee, dass man seine eigene Persönlichkeit in etwas verwandeln soll. Sie haben Zugriff auf alle Geräte, auf die Sie Zugriff haben. Ihre Einflüsse und die Dinge, die Ihnen gefallen, und versuchen, all diese Universen sozusagen in Ihrem eigenen Stil zusammenzubringen.

Für mich war das Scratchen im Sinne des „Plattenspielers“ im Kontext eines Instruments schon immer ein Chamäleon. Ich meine, das hat mich überhaupt dazu inspiriert, es in die Hand zu nehmen. All die Kids, die in den späten 80ern all die Plattenspielerarbeit gemacht haben und so, das hat irgendwie all diese Fenster und all diese anderen Möglichkeiten geöffnet.

Und was meine Arbeit betrifft, denke ich, dass ich weiterhin an der Fackel festhalte, einfach nur zu erkunden und zu sehen, wo ich sonst noch Scratching und den Plattenspieler in dieses Album einbringen kann. Besonders gut finde ich die Idee, dass es nicht nur ein Lead-Solo-Instrument, sondern auch ein Hintergrund- oder Support-Instrument ist. Auf die gleiche Weise würde ein Backgroundsänger oder ein Keyboarder oder so etwas eingesetzt werden. Die Art und Weise, wie ich an diesen Tracks zu arbeiten versuchte, bestand darin, dass jeder in der Band seine reguläre Rolle auf einem regulären Instrument spielt. Wie würde sich das anfühlen, wenn sie alle Kreaturen mit Plattenspielern und so wären?

mxdwn: Es ist lustig, dass Sie das erwähnt haben, denn ich denke an TikTok und andere Apps und wir sehen eine Menge Mixing, Mashups und Sampling älterer Hip-Hop-Beats. Einflüsse beeinflussen jeden und alle Lieder in der heutigen Musik. Kann man deshalb davon ausgehen, dass die Kunst des Kratzens in ihrer ursprünglichen, beabsichtigten Form ein Comeback erlebt? Wenn noch nicht, dann?

Kid Koala: Ich denke, wie in jeder Szene wird es immer diese Hardcore-Kids geben, die sich einfach darauf einlassen. Ich bin einer von ihnen. Ich bin ein Lebensgefährte. Ich denke nicht an Dinge, die ich in meinem Kopf höre und die ich technisch noch nicht umsetzen kann. Ich übe, wissen Sie, die Drehungen täglich. Es ist eines dieser Dinge, bei denen ich das Gefühl habe, wenn man sich „The Loneliest Monk“ oder „Louis Armstrong“ in ihren späteren Karrieren nur anschaut, sieht man, mit welch hohem Maß an Meisterschaft und Nuancen sie spielen können.

In diesem Alter hat man mehr Geschichten zu erzählen, man hat mehr Zeit an seinem Instrument und es wird mehr und mehr zu einem Teil seiner DNA. Ich weiß also nicht, ich denke, ob es ein Comeback gibt oder nicht, oder ob es im Rampenlicht steht oder nicht. Ich denke, die Leute, die das Handwerk immer vorangetrieben haben, haben es getan, unabhängig davon, ob jemand zuhörte. Weißt du, als ich anfing, verbrachte ich fast das gesamte erste Jahrzehnt des Scratchens nur in meinem Schlafzimmer, und niemand hörte mir zu.

Es ging einfach darum, die Zeit zu investieren und zu sehen, wo ich sie einbringen kann. Gibt es ein Comeback? Ich weiß nicht. Ich denke an alles, wo man den Geist hinter dem menschlichen Element spüren kann. Ich denke, Kratzen war schon immer eine sehr taktile Sache, die man machen, ausführen und auch erleben kann. Wenn man es sich nur ansieht, wenn man es sieht, ist das Spielen des Instruments sehr körperlich. Ich denke, das kommt nicht wirklich aus der Mode, wenn man einfach nur zusieht, wie jemand sein Ding macht und dabei eine gute Zeit hat.

Ich denke, das ist einfach inspirierend. Ob Sie technisch verstehen, was passiert, oder nicht. Es ist irgendwie zweitrangig. Aber ich weiß nicht, ob das deine Frage beantwortet. Ich achte nicht wirklich darauf, ob es eine trendige oder nicht trendige Sache ist. Ich weiß nur, was diese Scratcher machten, als ich mit der gesamten Plattenspielerszene bekannt wurde. Ich sagte, ich bin dabei. Das ist es, ich muss mehr darüber erfahren. Ich muss anfangen herauszufinden, wie ich vor oder nach der Schule einen Teilzeitjob bekommen und Geld für einen Plattenspieler sparen kann. So hat es mein Leben verändert und das tut es auch weiterhin.

mxdwn: Darüber hinaus sehen wir, dass die heutige Technologie offensichtlich fortschrittlich ist und die Verwendung von Plattenspielern als Instrument einfacher wird. Ihre Arbeit wird einfacher, wenn Sie kreativ sind und experimentieren. Denken Sie vor diesem Hintergrund, dass dadurch die Fähigkeiten von jemandem verloren gehen, wenn er sich mehr auf technische Unterstützung verlässt?

Kid Koala: Oh nein, das tue ich nicht. Ich glaube, zumindest meiner Erfahrung nach ist es für das Publikum einfach, zu sehen, wie sein Geist durch die Musik kommt, ganz gleich, welche Technologie man verwendet. Ich glaube nicht, dass man als DJ sagen kann, dass man ein Technologiegegner ist. Ich meine alles Tiefgründige, wie zum Beispiel ein Plattenspieler ist Technologie, eine Geige ist Technologie. Es ist die Idee, wie man es spielt. Persönlich denke ich, dass jede Technologie zunächst dazu dient, „Ihr Leben einfacher zu machen“ oder bestimmte Aufgaben effizienter zu gestalten, damit Sie mehr Zeit haben, die Dinge zu tun, die Sie „tun wollen“.

Ich war schon immer jemand, der einfach gerne arbeitet. Ich mag Animationen, bei denen es sich auch um ein Werk handelt, das untergeordnete, sehr langsame Aufgaben hat. Man würde sich fragen: „Warum sollten Sie die Zeit damit verbringen?“ Nun, ich kann die Zeit dehnen, ich kann sie wie ein Ganzes verbringen, diesen einen Moment in einem Film nehmen und einfach alles, was ich habe, in dieses eine Bild und dann in das nächste Bild stecken.

Dann ist es in gewisser Weise fast so, als würde ich mich darauf einlassen und so viel wie möglich aus jedem dieser Momente herausholen. Das Gleiche gilt für die Aufnahme von Schallplatten aus winzigen Tonfetzen. Sie sagen: „Warum solltest du dir so viel Mühe machen?“ oder so etwas, das du weißt? Ich weiß nicht, ich gehöre zu den Leuten, die Legoland sagen, wissen Sie, manche Leute würden sagen: „Wow, das ist eine kolossale Zeitverschwendung“, aber ich sage nur: „Wow, du.“ Wissen Sie, hier hatte jemand eine Vision.

Und Sie können alle Komponenten sehen. Und ich denke, was mich daran inspiriert, ist die Zeit. Es ist die menschliche Hingabe an etwas, nicht die Tatsache, dass irgendein Roboter einfach gekommen ist und es wirklich schnell erledigt hat. Das beeindruckt mich nicht so sehr wie jemand, der sagt: „Hey, ich werde vielleicht anders darüber nachdenken.“ Wie Sarras‘ impressionistische Malerei, in der er alles auf den Punkt gebracht hat. Und es sind buchstäblich die Seiten einer Mauer. Und er hat zwei Jahre damit verbracht, und, und man sieht es sozusagen an und sagt: „Wow – was, was würde jemanden dazu bringen, sich zu entscheiden, auf diese Weise Kunst zu schaffen?“

Aber Hunderte von Jahren später sehen wir es immer noch so: „Es ist irgendwie eine schöne Sache.“ Als ich dieses Gemälde persönlich gesehen habe, hatte ich einfach das Gefühl, dass dies hier das Leben und die Energie eines Menschen ist, mindestens zwei Jahre davon, wissen Sie, und man kann es fühlen, man kann es auf dem Gemälde spüren. Und ich denke, das ist beim Scratchen das Gleiche, wenn man jemanden sieht, der einfach supercool ist. Es ist wie alles. Du bist einfach du selbst, du schaust zu und dann wirst du irgendwie davon inspiriert. Vielleicht nicht dazu inspiriert, sich selbst zu kratzen, aber wenn Sie sehen, dass etwas auf dieser Ebene ausgeführt wird, könnte es jemand sein, der etwas Akrobatisches macht. Es könnte jemand sein, der an den Olympischen Spielen teilnimmt, oder sogar jemand, der einen Film gemacht hat oder jemand, der etwas aus Legos gebaut hat. Für mich ist es dasselbe. Es ist also eher der Teil davon, der mich interessiert. Ich persönlich habe das Gefühl, wenn die Technologie kommt und mir die ganze Arbeit abnimmt, was bleibt dann noch zu tun?

Mir wäre langweilig. Es ist fast so: „Was nun? Jetzt haben wir so viel freie Zeit, was machen Sie? Scratches waren einfacher, weil sie aus einem schnellen Wurf, einer Abkürzung, einem Fader und so weiter bestanden, was das Transform-Scratching einfacher machte. Das war damals der schwierigste Schnitt, den man lernen konnte.

Und dann kamen sie auf diesen Mixer. Das „machte es einfacher“, aber dann langweilten sich die DJs einfach. Nun gut, jeder, der das nach einer Woche aufgreift, kann das ändern, was früher sechs Monate gedauert hat. Und ich denke, dass die Szene selbst so hungrig ist und versucht, mit neuen Stilen und der Entwicklung neuer Techniken sowie einfach neuer Phrasen und Vokabeln erfinderisch zu sein. Sie haben den Crab Scratch für diesen Fader entwickelt, was bei keinem früheren Mixer buchstäblich unmöglich war.

Sie sehen, an diesem Punkt sind wir jetzt, 10 bis 20 Jahre später, und das ist heute Teil des Hauptvokabulars des Scratchens. Ich denke, dass es weiterhin so ein Rennen zwischen Mensch und Maschine ist, sodass sie versuchen können, die Dinge für sich einfacher zu machen, indem sie einfach jedes Mal schneller denken als die Maschine, sonst wird einem langweilig, weil man sich zum Beispiel „Warum sind wir überhaupt hier?“ fragt ?"

mxdwn: Und dieser Hunger nach etwas Neuem, ich merke, dass die neue Generation auf diese Weise Musik konsumiert. Sie wollen, was neu ist, sie wollen, was im Trend liegt, sie wollen es jetzt. Welchen Einfluss hat das Ihrer Meinung nach auf das Genre? Ständig nach vorne drängen und immer versuchen, sich selbst zu verbessern. Ist das eine nachhaltige Denkweise für zukünftige Musiker?

Kid Koala: Es ist interessant. Ich meine, das ist vielleicht ein bisschen nebenbei, aber ich denke an einige unserer Produktionen, die wir machen, wie Nufonia Must Fall oder The Story of the Mosquito. Es ist wie fünfzehn Leute auf der Bühne, acht Kameras, fünfundsiebzig Puppen, zwanzig Miniaturfilmsets von vorne bis hinten, dazu ein Streichquartett und ein Live-Plattenspieler am Klavier.

Und noch häufiger kommt es vor, dass diese Touren für Orte, die wir noch nicht besucht haben, immer noch aktiv sind. An Orten, die ich nicht besucht habe, erhalte ich Nachrichten wie „Wann veröffentlichen Sie die DVD?“ Und ich antworte irgendwie frech: „Warum? Hast du einen DVD-Player?“ Aber die Vorstellung, dass alles auf Knopfdruck zugänglich ist, ist nicht das Erlebnis. Der Sinn dieser Show besteht darin, dass wir sie live vor Ihren Augen zeigen. Wir machen diesen Film von Grund auf, auf der Bühne und auf der Leinwand in diesem Kino – live! Wir schätzen diese Erfahrung jeden Abend mit diesem Publikum. Als hätten wir nichts, nichts wäre vorher aufgezeichnet. Wir müssen es jede Nacht von Grund auf neu aufbauen. Und das ist mir ein bisschen heilig. Ich bin mir sicher, eines Tages, vielleicht nachdem wir die Show tausend Mal gemacht haben, werden wir sagen: „Weißt du was, wir sollten das filmen und es vielleicht irgendwo platzieren.“ Aber im Moment liebe ich die Tatsache, dass man sein Haus verlassen und ins Theater kommen muss, um dabei zu sein, sonst verpasst man es einfach.

Es ist okay, verstehst du was ich meine? Es gibt viele Dinge, die man tun oder anschauen kann, aber ich persönlich liebe die Tatsache, dass es live ist, und ich liebe es, es live zu halten. Um ein einzigartiges Erlebnis zu schaffen, passen wir sogar die Show an. Je nachdem, in welchem ​​Land oder in welcher Stadt wir uns befinden, fügen wir unterschiedliche Sets hinzu, lokalisieren die Sets und fügen lokale Links ein, um den Leuten im Publikum einfach mitzuteilen: „Hey, diese Show ist für dich. Das ist nicht dasselbe.“ Show, die wir gerade gestern Abend in Mexiko-Stadt, Island oder in Japan vor zwei Monaten gemacht haben. Bei jeder Show möchte ich einfach diesen Moment feiern, den Live-Aspekt davon.

Und für mich kommt es wieder aufs Kratzen an. Was ich am Kratzen liebe, ist, dass ich beim ersten Mal, als ich es hörte, nicht wusste, wie diese Geräusche erzeugt werden. Ich habe es über die Lautsprecher eines Plattenladens gehört, konnte aber an der Energie erkennen, dass es jemand aufführte. Wissen Sie, jemand hat diesen Satz genommen, ihn zerhackt und war in der Lage, bestimmte Silben zu stottern und zurückzuspulen und daraus rhythmisch dieses neue Muster zu erzeugen.

Und sie spielen es. Wie machen sie das? Andererseits war das der Teil, der mich dazu hingezogen hat. Es war nur so, dass jemand geübt hat, um das zu lernen, und es klingt so frisch, und es klingt so im Moment, wie jede musikalische Darbietung, oder? Die Idee, wovon Sie reden, ist also die Speisung des Content-Rads oder so etwas in der Art. Das ist die Art von Sachen, bei denen ich persönlich dabei sein möchte. Aber trotzdem hatte ich meine Momente. Mein erstes Mixtape, das war schon kurze Aufmerksamkeit.

Daher kann ich nicht viel dazu sagen. Ich wäre ein Heuchler, wenn ich sagen würde: „Oh ja, und das war etwas völlig anderes. Wir haben auf dem Mixtape einfach überall die Kanäle und so weiter gewechselt, und das war doch der Punkt, oder?“ Es war nicht so, dass ich sagen konnte, oh, irgendetwas, alles muss ein dreiminütiger Popsong oder länger sein, das ändert sich. Aber ich persönlich denke, dass die Herausforderung für mich jetzt darin besteht, dass man trotz Scratchen so etwas wie ein einstündiges Theaterstück oder einen dreiminütigen Song auf Plattenspielern machen kann?

Können Sie sich in eine Form bringen, in der Menschen auf eine kleine Reise mitgenommen werden? Damals war es noch – ich gehe eigentlich das Gegenteil vor. Wie ich weiß, können wir in sehr kurzer Zeit eine Menge Scratching durchführen. Ich versuche herauszufinden, ob ich das Kratzen dazu verwenden kann, eine Geschichte in längerer Form zu erzählen oder, um einen journalistischen Begriff zu verwenden, eine längere Lektüre. Die langen Lektüren, die einem Spaß machen und in die man sich tatsächlich hineinversetzen kann.

mxdwn: Sie haben davon gesprochen, etwas zu haben, zu dem die Leute zurückkehren können, und 2001 haben Sie mit Dan the Automator, Mike Patton und Jennifer Charles zusammengearbeitet, um „Lovage: Music to Make Love to Your Old Lady“ zu veröffentlichen. Gibt es eine Chance, dass wir in Zukunft die Rückkehr der Gruppe Lovage erleben werden?

Kid Koala: Ich meine, es gibt immer eine Chance. Ja, das würde ich gerne tun. Das war eine wirklich lustige Tour, ich glaube, wir haben nur zwölf Städte bereist. Ich liebe es, aber es war eine tolle Zeit. Es war auf jeden Fall eine großartige Dynamik, Mike und Jennifer als zwei Leadsänger zu haben, die auf diese Weise gegeneinander spielten. Ich glaube, als ich das letzte Mal mit Dan gesprochen habe, sagte er, dass er auch dazu bereit sei. Ich denke, es geht eigentlich nur darum, herauszufinden, ob wir alle anderen Parteien dazu bringen können, ins Studio zu kommen.

Aber bei Dans Projekten gibt es immer eine Chance. Er arbeitet auch die ganze Zeit. Und manchmal werde ich überrascht sein. Ich bin einfach drüben in der Bay Area und er spielt mir einfach so etwas vor wie: „Was ist das?“ Er sagt: „Oh, weißt du …“, er hat bereits eine ganze Art Album entworfen und du fragst: „Oh, wofür ist das?“ Und er sagt: „Weißt du, ich weiß nicht, was denkst du? Aber ich sage dir was, ich werde das nächste Mal, wenn ich für dich da bin, für Liebstöckel stimmen.“

mxdwn: Danke, ja. Wissen Sie, gibt es ähnliche Pläne für Ihre anderen häufigen Mitarbeiter, The Slew, Ihr Projekt mit Chris Ross und Miles Heskett?

Kid Koala: Und Dynomite D. Ja, Dynomite D ist dort die Hauptkatze. Er ist ein DJ, der ursprünglich aus Seattle stammt. Wir beide, dann brachten wir L's mit, DJ-Rezepte aus Seattle, und dann Chris Ross, Miles. Als die Platte fertig war und wir damit auf Tour gehen mussten, schlossen sich Chris Ross und Miles von der ehemaligen Wolf Mother sozusagen unserer Live-Crew an und P-Love war eine phänomenale Katze, mit der ich mehrere Male auf Tour war.

Sie sind also alle wie eine große Familie. Also ähm, ja, wird es noch mehr Slew-Sachen geben? Das hoffe ich absolut. Wir haben bereits Skelettversionen von, ich würde sagen, 14 Tracks. Aber auch hier geht es im Moment vor allem um die Terminplanung. Plus Nähe in Bezug auf die Lage aller. Jetzt, wo sich die Dinge wieder öffnen, können wir hoffentlich alle wieder gemeinsam ins Studio gehen.

mxdwn: In der Zwischenzeit weiß ich, dass du gerade ein neues Album veröffentlicht hast. Als Ikone in dieser Branche sind Sie bekannt und haben bereits darüber gesprochen – Sie haben während Ihrer gesamten Karriere mit Ihrem Sound experimentiert und neue Genregrenzen überschritten. Sie haben es bereits angesprochen, aber können Sie Ihren Prozess näher erläutern, um zu entscheiden, welches Genre in diesem neuen Album enthalten ist, das Sie präsentieren möchten?

Kid Koala: Alles klar. Ich denke also noch einmal, dass alles auf der musikalischen Seite begann, einfach beim Erkunden, Aufnehmen und Schreiben von Techniken. Und zu sehen, welche Art von Tönen ich bekam, welche Art von Klang ich erschuf. Dann eine Palette von Klängen, mit denen man arbeiten kann, und einige von ihnen haben einfach angefangen, sich in eine bestimmte Richtung zu bewegen, so dass einer vielleicht wie eine Jukebox-Melodie aus den 50er/60er Jahren klingt, während ein anderer eher wie ein Sky 7-Zoll oder so klingen könnte. Eigentlich fing es damit an, dass ich versuchte, den Plattenteller in diese Bereiche zu biegen, und als der Ton anfing zu kommen, kamen die Töne zurück. Ich habe alle Instrumente im Studio gespielt, aber „Jump in Shuffle“ ist ein perfektes Beispiel.

Ich konnte tatsächlich eine gebrauchte SoundCraft Series One-Konsole erwerben. Ich bin kurz davor, hier einen Nerd zu machen, aber los geht's. Das ist also die Konsole, die Lee Scratch Perry in seinem Studio benutzte, und sie hatten eine bei Cbgb in New York, wie damals. Es war also diese Art von kleiner Konsole, von der jeder wusste, dass sie diesen knackigen Ton hatte. Als ich es also wieder im Studio hatte, sagte ich als Erstes: Ich möchte sehen, ob ich, wenn ich alle Vorverstärker übersteuere, diesen blockigen, knackigen Klang bekomme, den es hat. Und genau das hat es getan. Also dachte ich: „Oh whoa, ja, ich möchte jetzt einen Plattenspieler von Scotts bauen.“

Aber über diese Konsole und übersteuern Sie jede Ebene und sehen Sie, ob ich den 7-Zoll-Dub-Sound bekomme, den ich liebe. Und das war wirklich nur der Spaß daran, die Ausrüstung und den Plattenspieler durch die Ausrüstung in diese Bereiche zu schieben. Also fing es zunächst damit an, einfach mit den verschiedenen Tracks und jedem Instrument, das ich in meinem Studio hatte, herumzuspielen.

Als ob es sich um Trommeln handeln könnte, die durch einen bestimmten Kompressor und dann durch einen bestimmten Hall laufen, und es fühlte sich an wie: „Oh hey, das fühlt sich an wie ein Trommelklang.“ Und dann ließ man es auf einem Track einfach in diese Richtung gehen. Ich hatte also ein paar Starts, aber irgendwann wurde mir klar, dass es möglicherweise einen Zusammenhang zwischen der Zeit, die ich im Studio war, gab. Es könnte einen Faden gegeben haben, den ich durchziehen könnte. Und das war, als ich gleichzeitig an der Grafik und dem Brettspiel arbeitete und all diese Kreaturen malte.

Also malte ich wie eine Scratchboard-Zeichnung. Ich habe wie eine Gottesanbeterin auf S1200 gemalt, ein anderes Krebstier auf einer Klarinette. Einfach Spaß haben. Ich habe auch die Bilder gemacht, die schließlich im Brettspiel enthalten waren. Die Aufzeichnungen enthalten also all diese Kreaturen. Dass ich im Atelier malte, sodass sie begannen, meinen eigentlichen physischen Raum im Atelier zu bevölkern.

Ich hatte Dutzende, Dutzende dieser Kreaturen. Nur Gemälde und verschiedene Formen der Vervollständigung mit Instrumenten. Und dann ging ich ins Studio und sagte: „Oh, was für einen Sound würde dieses Faultier auf einem Fuzz-Bass machen?“ Diese Kreaturen fingen an, mich ein wenig zu informieren. Sie wurden zu meiner Muse darüber, welche Art von Sound sie machen würden, wenn sie eine Band gründen würden.

mxdwn: Diese Platte wurde erstellt, um ein auf Geschichten basierendes Brettspiel zu begleiten, das ein erschütterndes Abenteuer zwischen Kreaturen mit dem Ziel beinhaltet, ihr Zuhause zu retten. Was steht in Ihrem kreativen Prozess an erster Stelle? Ist es der Abriss einer Geschichte, der die klangliche Vision auslöst, oder ist es die Musik, die die Geschichte beeinflusst?

Kid Koala: Irgendwann hat es wirklich Klick gemacht, als mir klar wurde, dass dieses Album der Soundtrack für die nächste Bühnenproduktion sein kann. Wie im Stil von Storyville Mosquito, im Stil von Nufonia Must Fall. Also sagte ich: „Okay, wenn ja, was für eine Show oder einen Film werden wir dann dieses Mal machen?“

Und die Antwort war ein Actionfilm. Die erste und die zweite Art von Entscheidung wurden getroffen. Es wurde sehr deutlich. Es ist wie: „Oh, ich brauche etwas im dritten Akt, ich brauche einen letzten Kampf-Showdown-Track.“

Das ist also „Rise of the Tart Gras“. Im Vorspann brauche ich etwas wirklich Schlagkräftiges für den Vorspann und das ist jetzt hier. Dieses Lied ist großartig, um diesen und jenen Charakter vorzustellen. Und dann gibt es noch eine kleine High-Sequenz, als ob ich eine Art hinterhältige Musik im Scooby-Doo-Stil bräuchte. An diesem Punkt, wissen Sie, während sie versuchen, sich in irgendetwas einzuschleichen, Sie wissen schon, sich in den Großrechner zu hacken oder was auch immer. Es gab also all diese Dinge, die mir gerade klar wurden: „Oh, hier könnten einige dieser experimentellen Tracks zusammenpassen, wenn es um die Geschichte geht.“ Als die Geschichte zu gerinnen begann, sagte sie mir: „Oh, du brauchst hier eine Strecke für diese Motorradverfolgungsjagd.“

„Highs, Lows and Highways“ ist also schlecht oder für die Liebesgeschichte, wissen Sie, was, was können wir als Herzstück ihres Treffens und ihrer Date-Montage oder was auch immer verwenden? Und so lautete die Instrumentalversion von „When You Say Love“, auch wenn sie außerhalb der Geschichte begann, so: „Oh, das passt wirklich gut.“ Ich habe sozusagen alle meine Sessions musikalisch überwacht, um zu sehen, ob es in diesen Soundtrack in meinem Kopf passt, und nichts davon wird irgendeinen Sinn ergeben. Bis die Leute die Show in zwei Jahren sehen. Aber ich denke, als Album kann man es sich einfach anhören. Das ist ein Album und es geht an all diese Orte.

mxdwn: Es hört sich so an, als hätten Sie das Brettspiel selbst bereits angesprochen, aber die Musik scheint dabei zu helfen, die Geschichte selbst zu skizzieren. Oder waren einige Elemente der Geschichte vorgeplant? So etwas wie ein grober Grundriss einer Handlung, und dann hilft die Musik dabei, ihn aufzupeppen.

Kid Koala: Genau! Ich habe also bereits ein Storyboard für die Geschichte erstellt. Und während mein Gehirn in dieser Welt war und diese Kreaturen an den Wänden waren und ich an Musik arbeitete, begann es für mich zumindest mit dem Konzept zu harmonieren. Daher sind einige dieser Titel als spezifische musikalische Hinweise für einige Storyboards gedacht, was im Artwork nicht enthalten ist. Wie ich schon sagte, niemand wird das sehen, bis die Show draußen ist.

Trotzdem höre ich es mir immer noch von vorne bis hinten an und frage mich: „Okay, geht es um so ein Abenteuer? Gibt es diese Momente?“ Ist das Gleichgewicht im Sinne von: „Okay, wir haben gerade diesen wirklich düsteren Song gemacht?“

Ich habe den Bösewicht der Geschichte vorgestellt, aber für jemanden, der zuhört und nicht über eine Geschichte nachdenkt: Gibt es eine Möglichkeit, dem Ton des Albums etwas Leichtigkeit zu verleihen? Ich wollte die Balance zwischen einigen Dingen mit eher stimmungsvollem Ton und einigen verspielteren, skurrileren Dingen halten. Und ich habe für jeden Titel sehr cartoonartige Szenen im Kopf. Auch hier bin ich mir nicht sicher, ob das im Moment für irgendjemanden außerhalb meines Verstandes vollkommen Sinn ergibt. Es macht wahrscheinlich mehr Sinn, wenn die Leute die Show sehen, aber in der Zwischenzeit hoffe ich, dass sie die Platte einfach als eine Art Audio-Abenteuer genießen.

mxdwn: Beim Zuhören konnte ich spüren, wie sich die Geschichte in meinem Kopf bewegte. Ich denke also, dass das bei mir geklappt hat. Es war, als wäre der Zuhörer Alice, die dem Kaninchen durch dieses Loch folgt. Klanglich ist Ihnen also definitiv ein Abenteuer gelungen.

Kid Koala: Oh, danke, danke. Absolut.

mxdwn: Etwas mehr zu den verschiedenen kreativen Prozessen. Ich möchte wissen: Unterscheiden sie sich je nach der Rolle, die Sie spielen? Wie unterscheidet sich die Zusammenarbeit, wenn Sie von der Rolle des Darstellers über das Komponieren bis hin zur Theaterproduktion reichen?

Kid Koala: Ich denke, die neuen Produktionen sind vielfältig. Es ist Musik, es ist Live-Auftritt, es ist Scratching, es ist Filmmusik, es ist Comedy, es ist Drama, es ist alles. Ich denke, ich versuche nur, diese Sandbox zu schaffen, in der ich, wie alle meine Lieblingssachen, und mit diesem wunderbaren Team talentierter Künstler, mit denen ich zusammenarbeiten und in diesen Shows auftreten kann, Sie wissen schon. Ich habe viel Zeit, ich habe Jahrzehnte damit verbracht, einfach alleine aufzulegen, was Spaß macht, verstehen Sie mich nicht falsch.

Ich liebe es immer noch, Partys auf diese Weise zu rocken, aber als ich einmal einen Eindruck davon bekam: „Hey, wenn wir alle, wissen Sie, 15 von uns gerne zusammenarbeiten und reden, oh, da sind Kameraleute, da ist ein Streichtrio, oder Streichquartett…“ Welche anderen Arten von Stimmungen wie diese zwangen mich, sogar neue Möglichkeiten zu finden, den Plattenspieler zu spielen, um diese zu unterstützen. Es gibt also echte, ergreifende emotionale Momente in diesen Shows. Es gibt sehr spannende, actiongeladene Momente und dann, wissen Sie, sehr komödiantische Momente in den Shows, und ich habe Spaß daran.

Ich weiß nicht. Für mich galt die Regel: Wenn wir bei der Probe sind und nicht alle fünf Minuten lachen, dann machen wir etwas falsch. Es ist also so etwas wie: Ich versuche einfach, ein bisschen Spaß zu machen, während wir an dem Prozess arbeiten, und gleichzeitig den Leuten etwas zu präsentieren, das Spaß macht, zu dem sie gehen und es erleben können.

mxdwn: Das passt perfekt zu meiner nächsten Frage. Sie haben erwähnt, dass das bemerkenswerte Thema dieses Albums darin besteht, Dinge zu schaffen, die Menschen auf freudige Weise verbinden.

Koala-Kind: Ja.

mxdwn: Abgesehen davon, was war die Motivation dahinter?

Kid Koala: Was ist die Motivation dahinter? Ich erinnere mich daran, dass es das überhaupt gab, als ich mit fünf oder sechs Jahren mit meiner Mutter, meinen Großeltern und meiner Schwester einen Film von Charlie Chaplin sah. Meine Mutter sagte: „Hey, wir schauen uns als Familie einen Film an.“ Einschließlich meiner Großmutter, die kein Englisch oder so sprach. Alle diese Generationen schauen den gleichen Film. Und ich verhielt mich einfach wie ein freches Kind und sagte: „Ach, komm schon.“

Sie begann, Modern Times von Charlie Chaplin zu spielen. Und wissen Sie, der Film begann und ich sagte: „Was, das ist altmodisch.“ Und so habe ich mich schon irgendwie dagegen gewehrt. Aber innerhalb der ersten Minuten habe ich einfach gewechselt. Ich war einfach voll dabei. Ich dachte: „Warte, das ist lustig, was ist los?“ Ich versuche herauszufinden, was hier passiert, und es zusammenzusetzen.

Und es gab keine Worte, es wurde eigentlich nur in dieser universellen körperlichen Darbietung gemacht und die Musik kann einen emotional dazu bringen, bestimmte Dinge zu fühlen oder bestimmte Szenen zu verstärken. Während dieser Film lief, erinnere ich mich ganz genau an meine gesamte Familie, alle drei Generationen, die gleichzeitig lachten und, wissen Sie, gleichzeitig an ihren Nägeln kauten oder bewegt waren und in den ergreifenden Momenten flüsterten und still waren.

Und ich wusste nicht einmal, was Produktion ist, ich wusste nicht, was das als Kind war, ich dachte einfach: Vielleicht dachte ich davor, dass alles, was im Fernsehen lief, nur das wirkliche Leben sei. Als ob es wie die Nachrichten wäre, wie jemand, oder? Da wurde mir klar, dass ich sagte: „Nein, sie haben das geschaffen, um dieses Gefühl zu erzeugen. Meine ganze Familie wird es genießen.“

Und es war eines der wenigen Male, an die ich mich an alle drei Generationen meiner Familie erinnere, als wäre ich einfach völlig verzaubert von einem Kunstwerk. In diesem Moment wusste ich es. Ich wusste nicht, was Showbusiness ist oder so. Ich habe gerade gesagt, wenn ich groß bin, möchte ich etwas machen, das dieses Gefühl hervorruft, egal, was gerade im Wohnzimmer passiert, wir alle hier zusammen und lachen zusammen. Wissen Sie, die gemeinsame Faszination eines Kunstwerks reicht weit zurück. Für mich ist es sehr tief verwurzelt, der Drang, etwas zu schaffen, das das schafft. Ich bin mir nicht sicher, ob ich schon da bin, aber ich versuche weiterhin, auf dem Weg etwas Spaß zu haben.

mxdwn: Da wir über Erzähltechniken gesprochen haben, sind einige eher interaktiver und andere eher im traditionellen Stil gehalten. Und Sie haben erwähnt, dass Sie, je nachdem, wohin Sie gehen, Wert darauf legen, es lokal und in diesem Bereich verständlich zu machen. Wie gelingt es Ihnen, eine zusammenhängende Geschichte aufrechtzuerhalten, die bei jeder Iteration durchscheint?

Kid Koala: Nun ja, ich denke, die Kerngeschichte, die Szenen und die Handlungsstränge sind immer noch dieselben. Aber ich denke, wenn wir darüber sprechen, eine der Shows zu lokalisieren, kann es manchmal ganz einfach sein, einfach nur die lokale Küche anzupreisen. Eines der Schaufenster reicht aus, damit die Leute merken, dass es so ist: „Okay, warte, ich schaue mir hier nicht nur eine Geschichte an. Jemand hat das tatsächlich gebaut, und sie sind hingegangen und haben nachgeschaut, haben dieses Lokal besucht, wissen Sie. Versuchen Sie zu entwerfen.“ es so auszusehen und dieses Gefühl zu haben und für uns.

Wissen Sie, ich denke, es gibt eine Art auf Tour zu gehen, bei der man einfach in seinem Hotelzimmer bleibt und sich nicht wirklich mit der Stadt selbst beschäftigt. Und ich denke, bei dieser Tour bleiben wir normalerweise ein paar Tage oder eine Woche, besonders weil wir in einer Stadt sind. Wir haben tatsächlich etwas Zeit, um dorthin zu gelangen, wissen Sie, nachdem wir alles vorbereitet haben, sagen wir: „Okay, lass uns die Stadt erkunden und sehen, worum es in dieser Stadt geht.“ Der Moderator vor Ort führt uns einfach herum und währenddessen versuchen wir, präsent zu sein, das zu feiern und es dann natürlich wieder in die Show einzubringen.

Nur um ein bisschen Spaß damit zu haben, und die Leute, das Publikum, normalerweise genießt man diese Lokalisierungsmomente. Weißt du, das liegt daran, dass die Geschichte selbst, ich meine, du sagst normalerweise sehr allgemein Nufonia. Es ging um, wissen Sie, es ging um einen Roboter, der versucht, Liebeslieder zu schreiben, aber eigentlich war es eine Metapher dafür, wie man seine eigene Stimme findet oder sich selbst aus dem Weg geht, weißt du, in deinem Kopf, mental, bevor du tippen kannst in die guten Sachen.

Das Gleiche gilt für Mosquito, die Idee, an einen neuen Ort zu ziehen, zu lernen und sich Widrigkeiten zu stellen, aber dann zu versuchen, eine Gemeinschaft zu finden, die versteht, was man zu tun versucht. Das sind also sehr universelle und manchmal sogar ikonische Geschichten, aber gleichzeitig denke ich, dass die Charaktere selbst aufgrund der Vertrautheit ziemlich fantastisch sein können. Es könnte sich um eine Mücke handeln, es könnte sich um einen Roboter handeln, und die Menschen beziehen sich fast so darauf, als würden sie für sie empfinden.

Ich meine, manche Leute werden nach den Shows sagen: „Hey, wie hast du den Roboter zum Weinen gebracht?“ Und wir sagen: „Wir haben den Roboter nicht zum Weinen gebracht, Sie haben ihn zum Weinen gebracht.“ Das hat man gespürt und die Erfahrungen, die man gemacht hat, projiziert, weil die Charaktere nicht reden. Es gibt Musik, die es irgendwie vorantreibt, aber ich denke, die Leute müssen ihre Erfahrungen irgendwie auf diese Figur übertragen. Ich habe das persönlich erlebt oder kenne jemanden, der es erlebt hat oder so. Es ist nicht nur so: „Hey, ich bin hier, um dir ein paar wirklich avantgardistische Sachen zu zeigen, die du hinter dir lassen kannst: „Ich weiß nicht, was das war?“ Ich denke, diese Shows sollen einfach verbinden.

mxdwn: Würden Sie sagen, dass es zwischen den verschiedenen Shows eine gibt, die einfacher aufzuführen ist, oder eine, die anspruchsvoller ist?

Koala-Kind: Ooh. Meinst du auf technischer Ebene oder einfach nur energetisch?

mxdwn: Beides.

Kid Koala: Sie unterscheiden sich in gewisser Weise, wie zum Beispiel beim Satellite Turntable Orchestra, wo The X Factor so ist, der Spielraum ist viel größer, weil das eigentliche Publikum die Musik mit uns spielt. Jeder sitzt also an seinen eigenen Plattenspielerstationen. Sie verfügen über farblich gekennzeichnete Harmonieaufzeichnungen, die wir über diese farbigen LED-Lichter in die Warteschlange stellen, die die Farbe ändern können.

Angenommen, Ihre Plattenspielerstation wird lila, dann müssen Sie die lila Schallplatte finden und sich in die Warteschlange stellen, und es gibt eine gewisse Abweichung davon, wie „genau“ das Publikum spielt. Dennoch denke ich, wir haben es irgendwie so eingestellt, dass es immer noch klingt, was das Gefühl angeht, dass der Song immer noch da ist und das Publikum seine Crescendos und seine anderen Harmonien einbringt, und sie sind wie ein Chor.

Aber dann gibt es natürlich immer ein paar betrügerische Plattenspieler-Stationen, die entweder die falsche Platte abspielen, ständig kratzen oder was auch immer. Und das verleiht 0 tatsächlich etwas musikalisches Interesse, ich persönlich spüre es, ich spüre diese Energie. Aber das ist nicht der Fall, ich würde nicht sagen, dass es schwierig ist, ich würde nur sagen, ich bin überrascht, wie unterschiedlich jede Gruppe klingt, die an Satelliten-Plattenspieler herankommt. Wir haben gerade sieben Shows gemacht. Vor ein paar Wochen in einer Stadt und jeder Auftritt hatte eine andere Art zu spielen, was cool war. Das hat mir tatsächlich gefallen, wissen Sie. Anders in der Art, nicht so, wie man es erwarten würde, wie bei einigen Nachmittagsshows, bei denen viele Familien anwesend waren.

Wissen Sie, einige Leute denken vielleicht: „Oh, das muss wirklich chaotisch gewesen sein, denn die Kinder sind einfach verrückt geworden und haben alle Nadeln zerbrochen.“ Und ich denke: „Nein, eigentlich waren die Kinder sehr, sehr konzentriert.“ Felix, er dirigiert auch sozusagen, also gehen die Lichter an. Dadurch erfahren Sie, welcher Datensatz aufgerufen werden soll. Aber er dirigiert auch dynamische Lautstärken und ähnliches. Er sagte: „Oh, die Nachmittagsshows, es war fast so, als ob sie sich einwählen würden, vielleicht ist es wie bei den späteren Shows, die Leute haben nur gezeichnet, um es zu sehen, was Spaß macht.“

Aber es gab einen Tonunterschied, im wahrsten Sinne des Wortes. Die Show, bei der alle Tische von Familien besetzt waren und die Hälfte der Kinder die Plattenspieler bediente. Es lag eine Art naiver Fokus darin. Das war wirklich sehr schön zu hören. Und dann hatten auch die Party-Rockshows am späten Samstagabend diesen frechen Sound und es hat Spaß gemacht.

Ich spiele das aus, als ob es fast so wäre, wenn man so ist, wie ich es mir vorstelle, wenn man in einem Stand-up-Club ist und es dort so viele Zwischenrufe gibt, dann kann man diese Energie tatsächlich ausnutzen und auf der Stelle etwas schaffen , was Spaß macht.

In gewisser Weise war diese Dynamik interessant. Ich liebe das einfach. Ich liebe die Tatsache, dass die Shows nicht so ausdrucksstark sein müssen, dass wir einfach immer und immer wieder die gleichen Dinge tun.

mxdwn: Ich weiß, dass du mit Leilani auf Tour gehst. Kannst du mehr über diese Zusammenarbeit sagen?

Kid Koala: Richtig, ich habe also an Creatures gearbeitet und diesen Track mit dem Titel „Things Are Gonna Change“ schreiben lassen. Und dann wurde ich durch eine gemeinsame Freundin mit ihrer Arbeit bekannt gemacht und als ich ihre Stimme hörte, sagte ich: „Oh, sie hat diese Mädchenstimme.“ Diese Art von Power-Puff-Energie, die dieser Track braucht. Diese wirklich klare Shout-Shout-Stimme. Und ich sagte: „Oh. Weißt du, das könnte funktionieren.“

Also habe ich mich an sie gewandt und sie hatte lustigerweise vor ein paar Jahren die Nufonia Must Fall Show besucht. Und so war ich ein bisschen auf ihrem Radar. Und weil es so einfach war. Ich sagte: „Hey, weißt du, würdest du auf diesem Track schreien?“ Und dann stimmte sie zu und wir hatten so viel Spaß bei der Arbeit an diesem Track, dass ich sagte: „Hey, lass uns versuchen, ein paar Shows zusammen zu machen und zu sehen, wie es läuft.“

Es herrschte eine coole Chemie, ich meine, lasst uns zunächst einmal kurz über sie reden. Ich finde sie phänomenal. Sie schreibt, produziert, veröffentlicht und macht ihre eigenen Kunstwerke und sie kann singen. Sie hat auch ihre eigene Ein-Mädchen-Punkband, die ich auch liebe, namens The Pez Heads. Also dachte ich nur: „Wow, sie ist einfach das ganze Paket, sie ist echt der Hammer.“

Aber als wir dann zusammen an dem Track gearbeitet haben, war es so, ach ja, es gibt hier eine coole Dynamik, wenn wir sie aufschlüsseln. Wie in der Tradition von Duo-Bands, wie zum Beispiel White Stripes oder Black Keys oder so etwas in der Art: Wie viel Lärm können zwei Leute machen?

Aber in diesem Fall ist es anstelle von Schlagzeug und Gitarre wie ein Plattenspieler und ein NPC, und so haben wir Spaß, einfach eine Art Erkundungstour. Was könnte sich daraus entwickeln? Bisher haben wir nur eine Handvoll Konzerte zusammen gemacht, aber wir probieren immer ein paar Dinge aus, wie vor der Tour, und testen sie dann, damit es Spaß macht. Ich denke, dass wir beide daran interessiert sind, gemeinsam als Duo noch mehr Sachen zu schreiben. Trotzdem denke ich, dass jeder darauf achten sollte, was sie tut.

Es ist so hart. Es ist wirklich ärgerlich, wie talentiert sie für jemanden in ihrem Alter ist. Sei schon so weit entwickelt. Als ich zum Beispiel „The Pest“ hörte, fragte ich: „Wann hast du das geschrieben?“ Sie sagt: „Oh, das habe ich in der High School geschrieben.“ Und wie, was? Wie hast du es aufgenommen? Ihre Antwort war, dass es so war, als sie noch auf dem College war. Aber diese Songs klingen wie echte Punksongs. Als hätte es alles. Also ich war überwältigt.

mxdwn: Ich kann sagen, dass es für die Leute wahrscheinlich wirklich spannend ist, sich darauf zu freuen.

Kid Koala: Auf jeden Fall will ich sie. Für mich liegt ein Teil davon, sie auf Tour zu bringen, darin, dass ich das Gefühl habe, dass einfach mehr Leute sehen müssen, was sie tut. Zum Beispiel, als ich sah, wie sie live die Pads spielt, als wäre sie kein Grid, und es gibt nichts, was sie jedes einzelne Live macht, während sie weitersingt und, wissen Sie, wunderschön darauf singt, wissen Sie, auf einigen ihrer eher elektronischen Sachen. Ich dachte irgendwie: „Wie machst du das, weißt du?“ Und wie Sie wissen, bin ich ein Multitasking-Typ, aber selbst dann bleibe ich einfach zurück, wie?

mxdwn: Zuletzt, da wir dies kurz angesprochen haben, aber wissen Sie, gibt es noch andere zukünftige Projekte, auf die sich die Fans freuen können?

Kid Koala: Ja, absolut. Wir werden mit diesen Kreaturen-Brettspiel-Events beginnen. Und das ist einfach eine unterhaltsame Nachmittagssache. Wir bringen Brettspiele und die Drehscheibe für jeden Tisch mit und ich dachte, es würde Spaß machen, das als Nachmittagsspaß zu machen. Deshalb werden wir damit in einigen Städten beginnen. Ja, Leilani und ich haben noch ein paar gemeinsame Nachtclubshows und dann, ja, die Kreaturen des späten Nachmittags.

Und die Bühnenproduktion befindet sich gewissermaßen in der Prototypen-Storyboard-Ära. Und jetzt wird es erst in mindestens zwei Jahren richtig Premiere haben, wahrscheinlich weil wir gerade mit „The Story of Mosquito“ auf Tour sind. Durch die Pandemie wurde alles irgendwie vorangetrieben. Im Moment beginnen wir also einfach mit unserer Geschichte der Mückentouren, anstatt sie einfach erst zu beginnen. Das wird also in den nächsten zwei Jahren eine Reihe von Städten treffen. Überall viel. Und schließlich besteht mein Hauptjob im Moment darin, dass wir an der Produktion meines ersten abendfüllenden Animationsfilmdebüts arbeiten.

Ich führe also Regie bei einer CGI-animierten Version von „Space Cadet“, meinem zweiten Graphic Novel. Und das ist eigentlich ein Vollzeitjob. Es ist mein Alltag. An Wochenenden und Abenden mache ich Musik, aber tagsüber denken wir: Wir sind hier, wir sind in der Designphase und stehen kurz davor, mit der Animation zu beginnen. Das steht im Moment auf der Tagesordnung, aber bald gibt es mehr Neuigkeiten dazu. Aber ja, alles geht irgendwie voran. Ich bin einfach froh, mit so tollen Leuten zusammenarbeiten zu können und danach wieder auf Tour zu gehen. fast dreijährige Pause.

Es ist einfach wundervoll, die Leute wieder draußen zu sehen, wie sie sich fragen: „Okay, weißt du, mag ich Live-Musik oder Live-Erlebnisse überhaupt noch?“ Und herauszufinden, dass sie es tun, ist meiner Meinung nach ein wundervolles Gefühl.

mxdwn: Es ist erstaunlich, nach so einer trostlosen Zeit all diese kreativen Projekte zu haben, und das hat uns gerettet. Ich denke, ich werde immer sagen, dass es die kreative Kunst war, die die Menschen in dieser Zeit gerettet hat und die Menschen wie Sie bereit waren, mit der Welt zu teilen, um sich die Zeit zu nehmen. Es ist also erstaunlich, dass es so viel gibt, auf das man sich freuen kann und auf das man sich weiterhin freuen kann. Ich möchte Ihnen noch einmal dafür danken, dass Sie sich mit mxdwn getroffen haben.

Bildnachweis: Raymond Flotat